Pour une fête médiévale, un spectacle ou un costume d’inspiration historique, une certaine liberté reste possible. Il est alors préférable de rechercher la cohérence générale plutôt qu’une exactitude absolue : éviter les matières manifestement modernes, les couleurs fluorescentes, les coupes anachroniques et les associations sans rapport avec le personnage choisi.

En fait, composer un costume médiéval ne signifie pas nécessairement reproduire à l’identique une tenue conservée dans un musée. Le niveau d’exactitude attendu dépend avant tout de l’usage : reconstitution historique, fête médiévale, spectacle, jeu de rôle grandeur nature ou simple événement costumé. Il n’existe donc pas un unique « bon » costume médiéval, mais plusieurs niveaux de fidélité adaptés à des projets différents.

Reconstitution ou inspiration : quelle différence ?

Commencez par identifier votre usage

Nos costumes d’inspiration médiévale ne sont pas systématiquement conçus comme des reproductions archéologiques. Certains modèles peuvent néanmoins constituer une base à adapter, sous réserve de vérifier les exigences de votre groupe de reconstitution.

Avant de choisir votre costume, posez-vous trois questions :

1. Dans quel contexte vais-je le porter ?
2. Quel degré de précision est attendu ?
3. Quelles concessions suis-je prêt à accepter pour le confort, le budget ou la créativité ?

Vous pouvez ensuite situer votre projet :

Aucune de ces démarches n’est illégitime. Elles répondent simplement à des objectifs différents. Alors…

Comment s’habiller en tenue médiévale…

pour une fête médiévale

Pour une fête médiévale, lors du choix de vos pièces de costume, privilégiez :

• une silhouette cohérente ;
• deux ou trois couleurs compatibles ;
• des chaussures discrètes ;
• des accessoires peu nombreux ;
• une tenue adaptée à la météo et à la marche.

L’objectif est d’éviter l’effet « déguisement générique » sans rendre la préparation intimidante !

pour le GN

Des critères propres à la pratique sont à prendre en compte lors de la préparation du costume :

• liberté de mouvement ;
• résistance des coutures ;
• possibilité de superposer les couches ;
• poches ou sacoches ;
• compatibilité avec une armure ou des accessoires qui vont avec le rôle ;
• distinction visuelle du personnage.

La cohérence se construit alors autant par l’univers du jeu qu’en s’inspirant de l’Histoire, la vraie.

pour le théâtre et le spectacle

La scène impose parfois des choix historiquement imparfaits mais fonctionnels :

• couleurs plus contrastées ;
• détails agrandis ;
• fermetures rapides ;
• tissus résistants aux changements de costume ;
• silhouettes lisibles à distance.

Le costume doit servir le personnage et la mise en scène.

Les quatre repères d’un costume historiquement cohérent

Plus le projet exige de précision, plus il est nécessaire de définir clairement quatre éléments : la date, la région, le milieu social et la fonction du personnage.

1. La période

Le Moyen Âge européen couvre environ un millénaire. Les vêtements ne sont donc pas restés identiques du Ve au XVe siècle.

Une tenue du XIIIe siècle ne présente pas nécessairement la même silhouette, les mêmes proportions ou les mêmes systèmes de fermeture qu’une tenue de la fin du XVe siècle. La mode évolue, notamment dans la longueur des vêtements, la forme des manches, le degré d’ajustement et la manière de couvrir la tête ou les jambes.

Pour une évocation historique, il n’est pas indispensable de retenir une année précise. Il reste cependant préférable de choisir une période générale, par exemple :

• haut Moyen Âge ;
• XIIe-XIIIe siècles ;
• XIVe siècle ;
• fin du Moyen Âge.

Cette première décision évite de combiner involontairement des éléments très éloignés dans le temps.

2. La région

Il n’existe pas davantage de costume médiéval européen universel. Les formes, les étoffes disponibles et les influences culturelles varient entre la France, les îles Britanniques, les États italiens, la péninsule Ibérique, le Saint-Empire ou les régions scandinaves.

Pour une démarche souple, il suffit souvent de choisir une aire d’inspiration. Pour une reconstitution, la localisation doit être beaucoup plus précise : une ville, une principauté ou une région commerciale déterminée.

3. Le milieu social

Le statut social influence la quantité de vêtements possédés, la qualité des étoffes, les finitions, les ornements et la capacité à se procurer certains produits.

Un artisan urbain aisé ne porte pas nécessairement la même tenue qu’un travailleur agricole pauvre, un marchand prospère ou un membre de l’aristocratie. La distinction ne repose toutefois pas uniquement sur la couleur. La finesse du fil, la densité du tissu, la régularité de la teinture, la qualité de la coupe et la présence de décorations comptent également.

Les recherches consacrées aux textiles médiévaux montrent que les tissus doivent être étudiés à la fois comme des objets techniques, des produits commerciaux et des marqueurs sociaux.

4. La fonction du personnage

Un vêtement doit être compatible avec ce que fait le personnage.

Un voyageur, une combattante, un artisan, un aubergiste, un noble de cour ou une guérisseuse de fantasy n’ont pas les mêmes besoins. La tenue doit permettre de marcher, travailler, combattre, danser ou rester plusieurs heures sur scène.

Cette question est particulièrement importante pour le GN et le spectacle, où la mobilité et la résistance du costume peuvent compter davantage que la fidélité de certaines finitions.

Quelles matières privilégier ?

Pour une tenue médiévale cohérente, la laine et le lin constituent généralement des références importantes. La soie apparaît également dans les collections et les sources, mais elle correspond à des usages, des circuits commerciaux et des niveaux de richesse particuliers. L’étude des textiles médiévaux ne porte pas uniquement sur la fibre : le type de fil, le tissage, la densité, la finition et la fonction du tissu sont tout aussi importants.

Dans le cadre d’une fête ou d’un GN, les fibres naturelles offrent souvent un rendu intéressant, mais elles ne constituent pas une obligation absolue. Un mélange moderne peut présenter plusieurs avantages :

• entretien plus simple ;
• meilleure résistance ;
• coût plus accessible ;
• séchage plus rapide ;
• confort adapté à un usage intensif.

Pour conserver une apparence cohérente, évitez surtout les tissus très brillants, plastifiés, extrêmement élastiques ou manifestement techniques, sauf lorsque l’univers du personnage le justifie.

Le tombé du tissu est souvent plus visible que sa composition exacte. Une étoffe trop fine, trop brillante ou trop rigide peut modifier entièrement la silhouette !

Les vêtements médiévaux étaient-ils tous bruns ?

Non. L’idée d’un Moyen Âge uniquement vêtu de brun, de gris et de beige est trompeuse. Les objets médiévaux conservés témoignent d’un goût marqué pour la couleur, même si leur éclat actuel ne correspond pas toujours à leur apparence d’origine. Le V&A, le Victoria and Albert Museum de Londres, souligne notamment le caractère souvent vivement coloré des productions médiévales de ses collections.

Des plantes telles que la garance, la gaude et le pastel permettaient notamment d’obtenir des rouges, des jaunes et des bleus. La garance occupait une place importante dans la teinture textile médiévale européenne.

Cela ne signifie pas que toutes les nuances étaient aussi faciles ou aussi économiques à produire. Le résultat dépendait notamment :

• de la matière teinte ;
• de la qualité du colorant ;
• de sa concentration ;
• du nombre de bains ;
• des techniques de préparation ;
• de la régularité recherchée ;
• des échanges commerciaux.

Pour une évocation historique, un bleu moyen, un rouge assourdi, un jaune, un vert doux ou certaines teintes terreuses peuvent parfaitement fonctionner. Il est généralement préférable d’éviter les couleurs fluorescentes, les effets métallisés modernes et les teintes artificiellement uniformes.

Dans un univers fantastique, des couleurs plus spectaculaires restent naturellement possibles. Il suffit qu’elles correspondent au personnage et à l’esthétique du jeu.

Les erreurs les plus faciles à éviter

Il n’est pas nécessaire d’être spécialiste pour améliorer sensiblement la cohérence d’une tenue médiévale.

Mélanger toutes les périodes

Une robe inspirée du XVe siècle, une cape évoquant le haut Moyen Âge et des accessoires de fantasy peuvent fonctionner dans un GN. En revanche, cet assemblage ne doit pas être présenté comme la reconstitution précise d’une époque.

Négliger les chaussures

Des chaussures de sport visibles peuvent rompre immédiatement l’illusion créée par le reste de la tenue. Lorsque des chaussures historiques ne sont pas envisageables, choisissez un modèle sobre et dissimulez autant que possible les éléments contemporains. Pour le GN, optez pour un modèle protecteur qui maintient bien la cheville.

Multiplier les accessoires

Cornes à boire, fioles, pendentifs, fourrures, armes, bourses et amulettes ne sont pas indispensables sur un même personnage. Chaque accessoire gagne à avoir une fonction ou une signification.

Confondre richesse et accumulation

Un personnage noble n’a pas nécessairement besoin d’être couvert de dorures. Une étoffe au beau tombé, des finitions soignées et une palette maîtrisée peuvent être plus convaincantes qu’une abondance de décorations.

Mieux vaut sélectionner quelques accessoires cohérents que multiplier les objets sans rapport entre eux. Une tenue relativement simple, mais harmonieuse, produit souvent un meilleur résultat qu’une accumulation de pièces spectaculaires.

Oublier le couvre-chef

Dans de nombreuses représentations médiévales, la tête est couverte. Une coiffe, un voile, un chaperon, un bonnet ou une capuche peut donc transformer une tenue très simple et renforcer immédiatement sa silhouette.

Dans un précédent article, nous avions abordé l’importance de la coiffure pour les dames en particulier.

Un costume médiéval doit avant tout servir votre expérience

La rigueur historique constitue une démarche passionnante, fondée sur l’étude des sources, des techniques et des contextes sociaux. Elle n’est cependant pas l’unique manière de découvrir l’univers médiéval.

Pour une fête, un GN ou un spectacle, une tenue peut être réussie sans reproduire précisément un vêtement du XIIIe ou du XVe siècle. Une silhouette harmonieuse, des matières visuellement crédibles, une palette cohérente et quelques accessoires bien choisis suffisent souvent à créer une véritable présence.

L’important est de présenter honnêtement le projet : reconstitution documentée, évocation historique, inspiration médiévale ou fantasy. Cette distinction permet à chacun de choisir sa tenue en connaissance de cause, sans renoncer ni à la curiosité historique ni au plaisir de jouer !

Partagez votre expérience en matière de conception de costume en commentaire !

Sources et ressources pour aller plus loin

• Netherton, Robin et Owen-Crocker, Gale R., dir., Medieval Clothing and Textiles, Boydell & Brewer.
• Heller, Sarah-Grace, Fashion in Medieval France, D. S. Brewer, 2007.
• A Cultural History of Dress and Fashion in the Medieval Age, Bloomsbury.
• Médiévales, no 29, « L’étoffe et le vêtement », Persée.
• Se vêtir au premier Moyen Âge : productions, usages et représentations, OpenEdition Books.
• Bibliothèque nationale de France, bases Mandragore et Gallica.
• Victoria and Albert Museum, collections médiévales et textiles.
• Metropolitan Museum of Art, Heilbrunn Timeline of Art History.

_{Cet article a été en grande partie généré avec l’aide de l’IA, puis corrigé, réécrit et amendé par un humain.}

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• le type exact de vêtement,
• les paramètres des anneaux,
• des pièces conservées servant d’étalons.

La règle de base

Le poids dépend surtout de quatre variables :

• surface couverte ;
• diamètre interne des anneaux ;
• épaisseur / section du métal ;
• choix de fabrication :
  • anneaux rivetés,
  • soudés,
  • ou alternance rivetés + pleins.

Les études techniques sur les mailles médiévales montrent justement des variations de diamètre interne d’environ 5 à 7 mm pour certains exemplaires tardifs, des épaisseurs de fil souvent entre 0,8 et 1,8 mm, et un nombre total d’anneaux très variable selon le type de vêtement.

Méthode la plus sûre : partir d’un exemplaire conservé comparable

Pour estimer le poids d’une cotte de mailles, on dispose de quelques jalons utiles :

• Un haubert allemand du XVe siècle conservé au Metropolitan Museum mesure environ 77 cm de haut, 91 cm de large, poitrine 56 cm, avec des anneaux lourds à diamètre interne d’environ 6,1 mm et anneaux plus légers à environ 6,9 mm ; son poids enregistré est 5,698 kg.
• Une mail shirt allemande du XVe siècle au Met mesure environ 99,5 cm de long pour 83,9 cm de large. Le site ne donne pas son poids, mais ces dimensions permettent au moins une comparaison morphologique.
• Une mail shirt du Royal Armouries, plus tardive et non strictement médiévale, pèse 6,2 kg pour environ 73 cm de haut et 53 cm de poitrine, avec petits anneaux rivetés de 8 mm et d’autres de 10–12 mm. Donc, en pratique : si votre cotte a une coupe proche d’une pièce de musée dont le poids est connu, c’est le meilleur point de départ.

Méthode 2 : estimer par le nombre d’anneaux

Une étude technique sur plusieurs pièces du Wallace Collection a donné des ordres de grandeur utiles :

• une mail shirt à la taille avec anneaux d’environ 7 mm de diamètre interne et manches demi à longues tourne en moyenne autour de 28 685 anneaux ;
• des mailles plus fines, à 5–6 mm, demandent proportionnellement plus d’anneaux ;
• un exemplaire très serré montait à près de 150 000 anneaux.

Cela permet une estimation assez bonne :

• plus les anneaux sont petits, plus il en faut ;
• plus la coupe est longue (mi-cuisse, genou), plus le total grimpe vite ;
• coiffe, moufles, chausses ajoutent énormément de masse.

Méthode 3 : calcul physique d’un anneau, puis multiplication

Si les cotes des anneaux sont connues, on peut estimer leur masse.

Pour un anneau en fil rond

Approximation utile :

m anneau ​ ≈ρ×π( 2 d ​ ) 2 ×π(D i ​ +d)

avec :

• ρ = densité du fer/acier, environ 7,8 g/cm³ ;
• d = diamètre du fil ;
• D i = diamètre interne de l’anneau.

Puis :

M total ​ ≈m anneau ​ ×N

où N = nombre total d’anneaux.

Correction indispensable

Cette formule sous-estime ou surestime selon les cas si :

• les anneaux sont aplatis ;
• une rangée sur deux est en anneaux pleins poinçonnés ;
• les rivets ajoutent un peu de masse ;
• l’épaisseur varie entre le haut et le bas du vêtement.

Or l’étude Wallace montre justement que certains hauberts tardifs avaient des anneaux plus épais en haut et plus fins vers le bas pour réduire le poids tout en gardant de la protection sur les épaules et le haut du torse.

Ordres de grandeur raisonnables

À partir des pièces conservées et des paramètres techniques, on peut poser ceci :

• camail / coiffe : souvent autour de 1 à 2 kg selon couverture et densité — estimation prudente par extrapolation à partir des dimensions d’anneaux et des poids de vêtements complets.
• haubergeon court : souvent autour de 5 à 7 kg pour des exemples serrés comparables aux pièces de musée conservées.
• haubert long à manches longues : souvent davantage, typiquement au-dessus d’un haubergeon court ; une fourchette d’environ 8 à 12 kg est une inférence raisonnable, pas une pesée directe unique, dès qu’on ajoute longueur, manches complètes et parfois renforts. Cette inférence repose sur la croissance de surface couverte et du nombre d’anneaux documentée par les études techniques.

À noter : la fourchette 8–12 kg pour un grand haubert médiéval est une reconstruction analytique constituée à partir de plusieurs sources. Il ne s’agit pas d’un chiffre universel issu d’une source unique.

La meilleure procédure concrète

Pour estimer une cotte précise, la procédure peut être la suivante :

• Définir la coupe : haubergeon, haubert mi-cuisse, avec ou sans manches longues, avec ou sans coiffe.
• Mesurer un panneau réel ou reconstitué par exemple un rectangle de 10 × 10 cm.
• Compter les anneaux dans ce carré puis peser, si possible, ce carré.
• Calculer la masse surfacique ex. 1,2 kg/m², 1,8 kg/m², etc.
• Estimer la surface totale du vêtement torse + dos + manches + fentes éventuelles.
• Ajouter une marge de 5 à 15 % pour bordures, rivets, renforts, superpositions locales.

Cette méthode est souvent meilleure qu’un calcul théorique pur, parce qu’elle intègre immédiatement :

• la vraie géométrie des anneaux,
• l’aplatissement, les rivets,
• la densité réelle du tissage.

En un mot comme en cent

Pour estimer le poids d’une cotte de mailles d’époque, il faut raisonner par type de vêtement + taille des anneaux + nombre d’anneaux + comparaison avec des pièces conservées. Les références de musée montrent qu’une maille courte peut tourner autour de 5,7 à 6,2 kg, tandis qu’un haubert long médiéval complet sera logiquement plus lourd.

Vous avez une pièce en maille chez vous ? Partagez son poids en commentaire !

Et pour poursuivre dans les poids et mesures, connaissez-vous le vrai poids d’une épée ?

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Buvait-on vraiment dans des cornes à boire ?

Dans notre esprit, elles sont bien là : les images du Viking buvant sa corne à boire à la table du Valhalla, du dieu grec trinquant sur le Mont Olympe, du Gaulois sifflant sa cervoise… Mais est-ce qu’on buvait vraiment dans des cornes à boire ?

Dès la préhistoire : une solution de transport et de stockage

Déjà à l’époque préhistoriques, comme en atteste quelques vestiges, les cornes servaient pour le transport ou le stockage de nourriture, de boisson et d’autres substances comme des poudres de pigments.

Tant et si bien qu’à l’âge du bronze, la corne à boire était parfois travaillée. Certaines cornes étaient dotées de poignées et accompagnées d’un support. Ce fut un récipient largement répandu et longtemps utilisé : chez les Scythe, en Grèce, en Afrique, en Amérique précolombienne et chez les Nordiques bien sûr.

Au 11e siècle : traces de beuverie sur la tapisserie de Bayeux

La tapisserie de Bayeux est le vibrant témoignage de la conquête de l’Angleterre par Guillaume le Conquérant. Réalisée au cours du 11e siècle, après 1066, elle présente deux scènes de repas. Dans l’une d’elles, un convive boit jusqu’à la dernière goutte le contenu de sa corne à boire. En effet, il la porte à sa bouche tandis que la pointe de sa corne se lève bien haut au-dessus du convive voisin.

Détail de la Tapisserie de Bayeux – XIe siècle, cl. Ville de Bayeux. Reproduit avec l’aimable autorisation du Musée de la Tapisserie de Bayeux.

Au 13e siècle : l’Ongle de griffon, un maître-étalon

Une autre corne à boire étonnante est conservée par le département Monnaies, médailles et antiques de la Bibliothèque nationale de France. Il s’agit d’une corne de 37,5 cm de haut montée sur une patte de rapace. On l’appelle l' »Ongle de griffon » – en vérité, c’est une corne de bison (le mystère est aujourd’hui levé). L’artefact fut conçu dans la première moitié du 13e siècle. C’est une magnifique corne au nom délicieusement évocateur.

Il faut préciser que l’Ongle de griffon servit de maître-étalon pour vérifier la contenance des pintes, les mesures de vin vendues en la ville de Saint-Denis. Dans toute taverne ou auberge, l’objet de dosage du vin devait correspondre à la mesure du maître-étalon en ongle de griffon… sous peine d’être détruit ! Voilà une corne à boire fabuleuse à l’usage peu ordinaire !

Les mesures-étalons de l’abbaye de Saint-Denis, par Anne Lombard-Jourdan, vous en apprendront plus sur ce fameux artefact.

À la Renaissance : un objet d’art et de décoration

On trouvait des cornes décoratives à la Renaissance. Des artistes et des artisans façonnaient encore quelques-uns de ces objets à l’époque. Art et savoir-faire somptueux sublimaient des matières nobles comme l’argent ou le cristal. Il reste quelques-unes de ces œuvres.

Quand les cornes à boire sont-elles remplacées ?

Autant de cornes qui ponctuent notre Histoire… cela donne à penser que l’objet a été plutôt répandu ! Et qu’il a bel et bien servi à boire. Mais quand sommes-nous donc passés à autre chose ? Il semble que l’usage se soit perdu dans le courant du 13e siècle. En tout cas, c’est ce qui semble dans le Roman de la rose, des poètes Guillaume de Lorris puis Jehan de Meung. Guillaume de Lorris écrit aux alentours de 1237, et Jehan de Meung entre 1268 et 1285. Dans ce récit classique plein d’allégories sur l’amour, les convives décrits par Meung ne boivent déjà plus dans des cornes. Ils ont des coupes, des gobelets… Qui sait si ce ne sont pas des gobelets en corne !

À quelle occasion utiliser une corne à boire ?

De nos jours, boire dans une corne est une pratique relativement exceptionnelle. Quoi qu’il en soit, il y a bien quelques occasions !

• mariage,
• jeux de rôle,
• médiévale,
• reconstitution historique,
• décoration,
• loisir…

On peut considérer l’usage qu’on en fera, l’endroit où on va l’exposer, les contextes dans lesquels elle va prendre sa place. Ces questionnements peuvent aider à cibler le genre de corne qui nous plaît ! Faites-vous une idée assez fine de l’étendue des possibles pour découvrir la vôtre. Suivez le guide !

Choisir la couleur de votre corne à boire

D’abord, la couleur de votre corne à boire. C’est un aspect intéressant pour commencer. Accordez-là à vos goûts, à ceux de vos personnages ! Assortissez-la à vos vêtements et costumes, éventuellement. Il existe des cornes très sombres comme la corne à boire du druide version sombre. Il en existe des bien plus claires, comme la corne celtique version claire. Toutes deux sont présentées sur le site du Chevalier du Drac.

Choisir la contenance de sa corne à boire

Plusieurs caractéristiques peuvent vous guider dans votre choix. Après la couleur, la taille et la contenance bien sûr. Il existe des cornes de deux ou trois litres, voire plus ! On peut se servir de telles pièces pour fabriquer des oliphants. Chez le Chevalier du Drac, les grandes cornes pour boire contiennent un litre.

À l’opposé, les petites cornes sont tellement mignonnes ! D’ailleurs, celles-ci sont bien pratiques pour les mains des enfants. Nous proposons donc des cornes à boire de 20 cl. ou 10 cl. Et d’autres tailles intermédiaires : retrouvez-les toutes dans notre rubrique dédiée aux cornes à boire.

Choisir une corne à boire avec une gravure

On peut graver une corne à boire, ce qui peut lui donner un petit supplément d’âme. La corne à boire du chef est gravée. Comme la corne à boire celtique version sombre ou la corne à boire gravée Valknut avec son support. Car oui, certaines cornes et leur support sont vendus ensemble. Par exemple, la corne à boire gravée Yggdrasil et la corne à boire gravée dragon viennent avec leur support.

Choisir un autre genre de récipient en corne

Si vous appréciez la matière douce et riche des cornes mais que, d’après vous, rien n’égale le confort d’une bonne choppe à fond plat, choisissez plutôt un mug qui offre le meilleur des deux mondes ! Mug en corne avec gravure, mug auberge, mug sauvage… le choix est large !

Chaque corne à boire est unique

Chaque mug, chaque corne est unique. C’est pourquoi d’une manière générale, les images de cornes à boire sont non contractuelles. Quoi qu’il en soit, en passant votre commande au Chevalier du Drac, vous pouvez indiquer que vous souhaitez une corne plutôt sombre ou une corne plutôt claire.

Comment faire tenir une corne à boire

Cette corne, il faut pouvoir l’emmener avec soi. Et prévoir de la poser dans un endroit approprié. Comment attacher une corne à boire et la fixer ?

C’est bel et bien un point à aborder pour en profiter pleinement. Bien sûr, pour maintenir vos cornes à table ou à vos ceintures, nous proposons des supports et des portes-corne. Le porte-corne est un accessoire médiéval incontournable ! Là-aussi une variété de modèles existe sur le site du Chevalier du Drac : le porte-corne en cuir avec boucle en métal ; le Castagir ; le porte corne à boire en cuir avec lacets, etc.

Et pour poser et exposer votre corne à boire, un support métal sera le meilleur choix !

Que boire dans une corne à boire ?

Quelles boissons verser dans une corne pour boire ? Ce sont des récipients pour les boissons froides. Il convient absolument d’éviter les boissons chaudes car elles déformeront vos cornes à boire. Les boissons acides et les alcools très forts sont aussi à éviter autant que possible. De tels breuvages pourraient décaper le vernis alimentaire.

Les enfant auront plaisir à y boire des sirops ou des boissons de vikings à base de lait. Pour les grands, il sera délicieusement à propos d’y boire de la bière ou des hydromels et d’autres boissons médiévales telles que le claret, l’hypocras, le moretum… Attention : l’abus d’alcool est dangereux pour la santé, consommez avec modération !

Comment cirer une corne à boire ?

Comment protéger une corne à boire ? Pourquoi le faire ? Une corne dépourvue de verni ou de cire est impropre à la consommation. Si votre corne n’a pas de verni alimentaire, il faut la traiter. Remarquez qu’il est inutile de traiter ainsi les cornes à boire du Chevalier du Drac. Car un verni alimentaire les protège déjà.

Cirer une corne à boire peut être une activité plaisante et gratifiante ! Si votre corne est dépourvue de cire ou si vous souhaitez refaire une couche de protection, voici comment faire. Il convient d’utiliser une cire de la meilleure qualité. Fraîchement sécrétée par les abeilles, la cire d’opercule est la plus pure. C’est celle que vous devez utiliser pour cirer votre corne à boire.

• Faites fondre la cire d’opercule à feu doux, sans faire bouillir. Pour cette opération, choisissez un vieux bol pour faire un bain-marie.
• Une fois la cire parfaitement liquide, vous pourrez la verser dans votre corne.
• Quand le liquide est bientôt prêt, passez l’intérieur de votre corne au sèche-cheveux. Seulement quelques secondes afin qu’elle soit tiède, pas froide.
• Coulez la cire d’abeille dans la corne.
• Faites un mouvement tournant en vidant la cire dans le bol. Ainsi, recouvrez uniformément les bords.
• Vous pouvez reproduire l’opération jusqu’à ce que tout l’intérieur de la corne soit ciré.
• Laissez la cire durcir.
• S’il y a des irrégularités, quelques secondes d’air chaud les lisseront. Récupérez alors le léger excédent dans le bol.
• Décollez les coulures sur le bord extérieur avec un couteau.

Cirer votre corne la protège, l’imperméabilise et la rend plus agréable à utiliser. Attention, ce traitement à la cire d’abeille donnera de fortes notes miellées à vos boissons.

Comment nettoyer les cornes à boire ?

Les cornes à boire sont formées de kératine. Comment les laver tout en respectant leur matériau ? C’est une matière naturelle qui supporte mal l’acidité, les températures élevées et le contact prolongé de l’eau. Le lave-vaisselle est donc à proscrire ! Laissez votre corne à boire longtemps au chaud ou au contact de l’eau la déformera. C’est pourquoi il est bon d’être attentif à quelques points :

• Nettoyez votre corne à boire à la main, sans détergent décapant.
• Préférez l’eau seulement froide ou tiède.
• Séchez-la consciencieusement et sans attendre.
• Entreposez votre corne plutôt à l’ombre.

Ainsi mugs et cornes conserveront longtemps leur beauté et leur utilité.

Pour un nettoyage impeccable, vous pouvez utiliser un produit vaisselle doux et un goupillon à poils souples.

Comment entretenir ses cornes à boire ?

Une ou deux fois par an, enduisez la kératine de quelques gouttes d’huile d’olive. Il n’est pas du tout nécessaire de le faire plus souvent, ni d’en utiliser une plus grande quantité. Il s’agit seulement de lustrer votre corne à boire.

Qu’est-ce que la corne ?

La kératine est le matériau naturel qui constitue les cornes à boire. Matériellement, ce n’est pas de l’os. La corne est une structure composée surtout de kératine, la même famille de protéines que les ongles, cheveux, sabots et griffes. Elle pousse autour d’un noyau osseux chez l’animal, mais pour fabriquer une corne à boire, on utilise l’étui corné externe, creux une fois préparé.

Vous en savez maintenant plus sur les cornes à boire ! Voulez-vous en apprendre plus sur les gardiens de trésors les plus fameux ?

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Vous recherchez une coiffure médiévale qui s’accorderaient à votre costume ? Voici quelques pratiques du XIVe et du XVe siècle dont vous pourriez vous inspirer.

Dans son article « Se coiffer au Moyen-Age ou l’impossible pudeur » Noëlle Lévy-Gires expose la perception de la chevelure féminine à l’époque médiévale. La chevelure y est un symbole d’une féminité trop naturelle et trop sauvage ! Elle est impure et impudique !

« Être pudiquement coiffée relève de la gageure au Moyen Age. (…) Se coiffer est une image emblématique de l’artifice, voire de la pratique diabolique. » Faire le choix de laisser la chevelure libre, éparse, c’est de la « négligence affectée ». C’est donc mal vu.

Les cheveux coiffés, apprêtés, teintés ? C’est de la coquetterie. Ces apprêts sont élaborés, artificiels, donc rejetés. Pourquoi ? Parce que trop éloignés de ce que Dieu à initialement accordé.

Alors, une coupe courte peut-être ? Ce serait refuser la féminité par Dieu imposée !

On critique même la plus simple tresse. La tresse révèle un début de travail de l’apparence, tout aussi mal vu que les teintures et les coiffures artificielles. La femme occidentale est en elle-même un rappel permanent du péché originel. Rien ne peut de toute façon défaire le nœud gordien qu’est sa coiffure à l’époque.

Que faire alors en matière de coiffure médiévale ? Le mieux reste certainement de dissimuler la chevelure sous une coiffe simple et sobre. Sur son site, le Chevalier du Drac en propose quelques-unes dans sa rubrique Chapeaux & Capuches.

La pratique capillaire médiévale la plus abominable ?

Aux jours simples les coiffes simples, proches du bonnet médiéval Helga, était adoptées par la gente féminine. Et pour les jours plus festifs, les femmes favorisées apprécièrent longtemps les coiffures médiévales et les parures très imposantes, éventuellement ornées de voiles. Loin de la simplicité des bonnets médiévaux, les huves, les escoffions ou les hennins s’étiraient en hauteur et dégageaient le front, qu’on épilait avec soin. Il était d’usage de ne laisser paraître qu’une courte mèche coiffée en bouclette.

Le clergé jugea les huves, les escoffions et les hennins inconvenants. Des religieux prêchaient même régulièrement pour que les femmes de moyenne condition renoncent à ces coiffures médiévales. Sans grand succès. Importée d’Angleterre, la mode des coiffures hautes perdura presque un siècle en France, de 1385 à 1470.

Comment étaient élaborées ces coiffures de la période dite « excentriques », à cheval entre le XIVe et le XVe siècle ? Noëlle Lévy-Gires affirme que les femmes qui les portaient avaient recours aux cheveux morts. C’est-à-dire aux chevelures de femmes supposément trépassées. Ajouter ces cheveux aux coiffures aurait permis d’y apporter des volumes. Pas étonnant, face à de tels artifices, que les prêtres s’arrachassent les cheveux !

Hennins, escoffions, coiffes, bonnets et bouclette : l’art français de la coiffure médiévale

Notons cependant qu’Eugène Viollet-le-Duc ne mentionne pas cette pratique dans son très documenté Dictionnaire raisonné. L’érudit situe très précisément l’arrivée des coiffures hautes en France à 1385, époque du mariage d’Isabeau de Bavière. Il mentionne, lui, « un échafaudage de fils de laiton » sous-jacent.

Il explique aussi que les hennins extravagants étaient une parure que les plus nobles dédaignaient. Les princesses de France et les dames de haut lignage ne portaient ni hennins, ni escoffions. En tout cas, elles ne les associaient pas à leurs habits de cour. Les dames nobles préféraient laisser leurs cheveux coiffés sous une couronne semblable à la couronne médiévale avec voile.

Pour poursuivre sur le chemin de la découverte voici un article sur le poids de la maille portée par les chevaliers.

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